Le monde du design vit une révolution dans de multiples facettes de son univers. Il regroupe la conception d’objets, d’espaces, l’architecture, mais aussi le design numérique et graphique. Ouvert à l'international et s’inspirant de plusieurs disciplines, il voit de nouvelles figures émerger. Qui sont les 5 designers les plus influents du moment ?

Décoration d’intérieur et design d’objet : des designers influents

Dans le monde de la décoration espagnole, Patricia Urquiola tire son épingle du jeu. C’est avec son célèbre canapé Lowland (2000) qu’elle commence à faire parler d’elle et son fauteuil Fjord la révèle au grand public. La designer suit des études dans la capitale mondiale du design : Milan et se spécialise en architecture et design d’intérieur. Elle signe une œuvre chargée d’émotion et d’innovation, avec une technique très exigeante. Dans son travail, l’esthétisme est à dimension humaine et lui permet de signer d superbes créations pour Vuitton ou Agape.

En France, Philippe Stark continue de marquer le design par son talent et son ingéniosité. Il travaille à l’international avec des projets de décoration d’hôtels à Hong-Kong, New-York ou de l’Élysée. Designer influent, il reprend les origines mêmes du design dans son travail : chercher à optimiser et à styliser les objets du quotidien pour améliorer l’espace de vie. Il signe dans cette veine sa célèbre brosse à dents ou son presse-citron au style de science-fiction.

Qui sont les designers les plus influents du design graphique ?

Rob Janoff, concepteur du logo d’Apple peut être considéré comme le designer le plus influent du monde, si l’on se réfère à la puissance de sa plus célèbre création. C’est en 1977, alors qu’il travaillait au sein de l’agence de publicité Regis McKenna qu’il conçoit ce logo simple, à la durée de vie très longue et dont la forme de base est toujours restée la même.

L’album signature de David Bowie (Blackstar), signé par Jonathan Barnbrook, le propulse au rang des designers les plus influents de la scène internationale. Avant ce projet, il était connu pour ses projets comme Exocet, police au succès retentissant (piratée massivement dès sa sortie en 1991, elle est également utilisée dans le jeu vidéo FPS Diablo). Il signe aussi la police Tourette, dont il dit qu’elle est formée sur une Slab Serif du XIX^e siècle.

Le cultissime logo de la marque Nike a été créé par une étudiante de l’Université d’État de Portland en 1971. Carolyn Moross ne gagne que 35 dollars sur son travail, mais signe un projet à l’influence internationale et l’utilise comme tremplin pour la suite de sa carrière.

Tous les designers internationaux influents ont suivi des études spécialisées dans des écoles de design reconnues. Ils ont aussi construit un parcours professionnel basé sur l’expérience et la pratique. C’est ce que propose l’EFET Studio Créa : une pédagogie innovante, basée sur l’acquisition de savoir-faire techniques et de mises en situations régulières.

Pour devenir un designer influent, il faut se former au sein d’une école spécialisée et initier rapidement à pratiquer et à cumuler de l’expérience professionnelle au sein d’agences du milieu.

Un logo est un visuel stylisé qui représente une entreprise, une marque ou une structure. C’est un symbole utilisé pour véhiculer un message et incarner une identité visuelle sous la forme d’une photographie, d’une image, d’un pictogramme ou d’un lettrage. Il permet de se démarquer de la concurrence et est un excellent moyen de mémorisation et de reconnaissance d’une marque pour les consommateurs. Zoom sur cet outil essentiel aux stratégies de communication des entreprises.

Pourquoi le design est-il une composante essentielle d’un logo ?

Un logo est un outil qui permet de transmettre un message, une valeur ou un concept en le transformant de manière esthétique. Il fait partie de l’image de marque d’une entreprise et c’est à ce titre un élément central de la constitution de son identité visuelle.

Esthétique, simple et efficace, il véhicule une image de professionnalisme et contribue grandement à la mémorisation et à la reconnaissance d’une société et de ses produits. Un symbole ou un pictogramme devient un logo lorsque l’esprit de la majeure partie des consommateurs associe automatiquement le visuel au nom de la marque.

Son design doit être en phase avec le message, les valeurs et le secteur d’activité de l’entreprise à laquelle il appartient. Pour y parvenir, les experts du graphisme qui élaborent les logos professionnels ont étudié le marketing et la communication visuelle en parallèle de leur apprentissage pratique des logiciels de création sur ordinateur.

Les graphistes professionnels le savent : un logo bien élaboré permet à une société de faire repartir ses ventes, d’acquérir de nouveaux clients, ou de construire une bonne image de marque.

Comment les professionnels du graphisme créent-ils un logo ?

Les experts du design et du graphisme créent un logo en ayant recours à diverses techniques afin de produire un symbole unique. Le processus d’élaboration d’un logo peut s’avérer plus complexe qu’il n’y paraît, en revanche, cinq grandes étapes peuvent être dégagées :

• L’analyse des besoins de l’entreprise, de ses visuels pré-existants, de leurs qualités comme de leurs points faibles.
• Production et présentation de croquis et projets.
• Tri et élection avec l’entreprise des meilleures idées.
• Reprise de la sélection et affinage en esquisse.
• Corrections, retours et peaufinage du logo.

Pour créer à proprement parler les éléments visuels qui composent le logo, les experts en graphisme utilisent des logiciels professionnels tels que les outils numériques de la suite Adobe.

Afin de se former aux méthodes et aux techniques des designers qui créent les logos des plus grandes marques, il faut sélectionner les bons établissements de formation spécialisés. Un bon parcours en graphisme doit impérativement comporter une ou plusieurs sessions de l’année en stage au sein d’une agence de communication ou d’une entreprise du secteur Design. À ce titre, l’EFET Studio Créa offre des formations de haut niveau qui bénéficient de la modalité de l’apprentissage en alternance.

L’histoire de la communication visuelle tend à démontrer qu’au cours de la vie d’une marque, le logo se simplifie. Les professionnels du graphisme tendent donc à épurer leurs productions en ayant recours aux techniques du flat design ou du minimalisme, par exemple.

Le directeur artistique est chargé de la conception, de la négociation et du suivi d’un projet de création de communication visuelle. Il travaille généralement dans le marketing et la communication et pilote les activités d’une équipe de graphistes, de photographes ou de réalisateurs. Quelles sont précisément ses missions professionnelles ?

En quoi consiste la mission de créatif du directeur artistique

En pratique, le directeur artistique (DA) valide ou propose des choix esthétiques en vue de la conception de tous les supports de la communication visuelle de ses clients. C’est lui qui imagine la forme à donner à un message publicitaire. Il le traduit par un logo, des options de mise en page, la conception d’une charte graphique, etc. Durant les phases de suivi d’un projet dont il a la charge, c’est lui qui a le dernier mot quant au choix de la typographie, de la taille et/ou du cadrage des éléments visuels. C’est également le DA qui est en charge de la bonne communication entre les divers membres de l’équipe technique.

Désormais, il officie sur ordinateur, via des logiciels de création graphique et numérique de pointe. Dans le cadre de son travail, il a une mission de veille des marchés des nouvelles technologies. Il est donc attentif à toujours actualiser ses compétences. Il doit être en mesure d’opérer sur les meilleurs logiciels et se forme constamment à l'utilisation des nouvelles propositions technologiques dans son domaine.

Directeur artistique : une mission de négociant

Les missions du directeur artistique s’inscrivent dans un cadre précis, déterminé par un cahier des charges qu’il élabore avec son client commanditaire. Lors des phases préliminaires au lancement d’un projet, il est chargé d'expliciter et de présenter ses idées. Son intervention revêt une importance capitale : c’est lui qui saura convaincre ses partenaires de l’intérêt de sa proposition.

Le DA a donc constamment à l’esprit les contraintes de temps, de financement et d’objectifs qui régissent son projet. Il travaille dans une optique prédéfinie et vérifie que les activités de son équipe technique suivent la bonne voie.

Comment se former pour relever les missions d’un bon directeur artistique ?

Une formation en vue d’exercer comme DA au sein d’une agence, d’une entreprise ou en indépendant, doit bénéficier de la modalité de l’apprentissage en alternance. En effet, le profil du directeur artistique est double : il fait preuve d’une grande connaissance du monde des arts visuels et sait, en pratique, proposer des projets sur lesquels il officie lui-même.

Ainsi, il est préconisé de suivre un cursus qui propose à la fois des enseignements théoriques et des modalités de mise en pratique variées : stages en immersion, workshops, séminaires thématiques, etc. Par exemple, le cursus Design Graphique et Numérique de l’EFET Studio Créa comprend ces caractéristiques qualitatives et débouche sur le métier de directeur artistique.

Le directeur artistique occupe un poste à responsabilité, ce qui lui vaut d’obtenir une rémunération confortable dès le début de sa carrière. En effet, un DA expérimenté peut gagner jusqu’à 5 800 euros bruts par mois.

Le scénographe est chargé de designer l’espace pour le mettre au service des exigences esthétiques de son projet. Il crée et met en place les décors et remodèle les espaces d’une pièce de théâtre, d’un film ou d’une salle d’exposition. Il travaille avec les musées, les salles de concert, mais aussi dans le cadre d’opérations marketing et commerciales. En quoi consiste ce métier et quelles en sont les futures dynamiques ?

Le métier de scénographe : au cœur du design d’espace

Le métier de scénographe consiste à aménager une scène ou un espace d’exposition. À ce titre, il peut travailler pour le théâtre, le cinéma, mais aussi les musées et les vitrines des boutiques les plus prestigieuses. En effet, c’est le scénographe qui organise les rayons des magasins les plus prestigieux, en mettant en valeur de manière cohérente les articles, l’espace et les codes des marques pour lesquelles il travaille.

Pour pouvoir mettre en scène l’espace et les volumes à sa disposition, le scénographe fait preuve d’un véritable sens artistique et esthétique. Il sait utiliser les lumières ou le son pour mettre en relief les éléments et les avantages du lieu sur lequel il travaille.

Ce sont les scénographes qui donnent vie aux événements qu’ils contribuent à organiser. Ils repensent intelligemment l’espace, les déplacements du public et savent proposer des événements innovants et atypiques. Actuellement, d’excellents professionnels du design d’espace travaillent sur les manifestations présentielles et virtuelles, alliant et modulant avec brio la présence du digital et du public au sein des événements. La sphère urbaine offre aussi de nombreux débouchés et secteurs d’expériences aux jeunes scénographes.

Comment se former au métier de scénographe ?

Le scénographe a aujourd’hui recours aux nouvelles technologies dans de multiples facettes de son métier. Il doit savoir élaborer numériquement un projet afin de présenter ses idées à son client. Maquettes ou plans en 3D, supports digitaux en tous genres n’ont donc pas de secrets pour lui.

Le scénographe travaille en étroite collaboration avec les directeurs artistiques, les maquettistes, les graphistes et les architectes d’intérieur d’une agence. Il est donc vivement recommandé de choisir une formation technique qui offre la possibilité de participer à des projets pratiques dès le début de son cursus universitaire.

C’est donc un expert du design d’espace qui a suivi une formation technique dans un établissement spécialisé. C’est la formule que propose l’EFET Studio Créa : des enseignements de haut niveau académique, axés sur l’acquisition pratique et des années scolaires ponctuées de projets collaboratifs. Ses formations, dont le parcours Design et Architecture d’Intérieur comportent les enseignements du numérique et du digital appliqués au domaine.

Le scénographe est donc polyvalent, il fait preuve d’excellentes connaissances artistiques dans divers domaines. Les possibilités qu’offre le recours au design d’espace dans la publicité ou l’expérience client en font un métier en vogue et envisager une carrière dans le métier de scénographe est un choix très judicieux.

Depuis 2016, un certain nombre des structures emblématiques du travail de Le Corbusier sont inscrites au patrimoine mondial de l’UNESCO : zoom sur 5 d’entre elles.

Qui est Le Corbusier ?

Architecte suisse naturalisé français, Le Corbusier est devenu un symbole du style moderniste architectural. Il défend une certaine pureté des formes et cherche à privilégier l’utilitarisme des éléments de ses structures.

Il travaille étroitement avec les meilleurs architectes de sa génération, dont Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret et certains des professeurs du Bauhaus.

Le musée national des arts occidentaux de Tokyo (1959)

Les structures de Le Corbusier trouvent un ancrage jusque dans l'archipel japonais, avec ce projet unique au monde. L'architecture traditionnelle nippone se trouve être proche des recherches architecturales de Le Corbusier : refus des ornements en façade recherche d’une harmonie sobre et utilitaire, etc. Le musée est ainsi construit sur pilotis en béton et exposé de manière à obtenir une lumière naturelle franche sur toute la structure.

La ville de Chandigarh en Inde (1951)

Peu après l’indépendance, le gouvernement indien fait appel à Le Corbusier pour créer une nouvelle ville afin d’incarner la nouvelle identité du pays. L’architecte réalise alors trois bâtiments administratifs et législatifs : la Haute Cour, le Palais de l’Assemblée et le Secrétariat. L’esthétisme brut des bâtiments est mis en exergue par le béton, laissé à nu.

La villa Savoye (1928-1931)

Peut-être un des projets les plus ambitieux de Le Corbusier, la villa Savoye est un symbole de l’aboutissement de son travail : c’est un véritable manifeste de l’architecture moderne. La villa comprend tous les codes chers à l’architecte : pilotis et façade en hauteur, espaces libérés de murs porteurs et un toit-terrasse. La structure, grâce à sa forme rectangulaire et à ses grandes ouvertures, bénéficie de la lumière naturelle.

Parfois qualifiée par Le Corbusier de machine à habiter, la villa Savoye préfigure des structures plus colossales, que l’architecte réalisera quelques années plus tard.

1952 : la Cité radieuse de Marseille

La cité radieuse fait office de point de mire dans le paysage marseillais. Ses balcons, décorés aux couleurs primaires, offrent un extérieur agréable aux 330 appartements que compte la structure.

L’esthétisme y est rationalisé au possible et les dimensions calculées à partir d’un ratio développé par Le Corbusier : le Modulor. Les espaces habitables sont complètement novateurs, l’architecte y propose des zones uniques : le salon côtoie la cuisine et la salle à manger pour la première fois dans l’histoire de l’architecture occidentale. Pensé comme une structure autonome, le complexe comprend des lieux de divertissement, des magasins, une école, un toit-terrasse, un restaurant-bar, et même une librairie.

La chapelle Notre-Dame-du-Haut (1953-1955)

La chapelle est construite dans une pierre blanche en provenance des Vosges. La structure du bâtiment fait penser à celle d’un bateau aux formes larges et mouvantes. Dans ce projet, la méthode de Le Corbusier diffère de ses habitudes : la géométrie est mise de côté au profit de volutes proches des formes de la nature.

Tout connaître du travail de Le Corbusier, ainsi que des grands architectes internationaux, est capital pour faire carrière dans le secteur. Les étudiants de l’EFET Studio Créa bénéficient à ce titre de modules d’apprentissage leur offrant de se construire une solide culture de l’architecture et du design.

France Culture propose actuellement un podcast en 4 épisodes dressant un portrait croisé de l’architecte de génie qu’a été Le Corbusier.

Le Design graphique est la discipline des arts visuels qui, mise au service d’une stratégie de marketing ou de communication, vise à combiner textes et images afin de faire passer un message promotionnel. Il s’agit de transformer une idée ou une phrase en un support visuel que le designer graphique se charge de produire en tout ou partie au moyen de logiciels d’édition. Les Designers graphiques exercent généralement au sein d’une entreprise spécialisée dans la communication visuelle. Découvrez le top 5 des agences de design graphique en France et comment se former pour travailler avec elles.

3 excellentes agences de design graphique en France

Nantes abrite le siège des bureaux de Quartet Création. L’agence met un point d’honneur à accompagner ses clients tout au long de l’élaboration de leur stratégie de communication. Ses équipes sont ainsi formées aux techniques du design graphique, mais aussi du marketing digital et savent anticiper les tendances du secteur.

OSB Communication travaille depuis son siège à Montpellier. Véritables touche-à-tout du design graphique, les membres de l’équipe conçoivent pour leurs clients des identités visuelles attrayantes et cohérentes. L’agence travaille autant en format print que web et digital et oriente ses partenaires dans le choix des supports les plus adaptés à leur entreprise.

Le studio Nuitblanche, à Lyon, propose la création d’expériences digitales. Son équipe conçoit des produits numériques sous forme de packs uniques et cohérents pour permettre à leurs clients d’accéder à une identité visuelle moderne. L’agence de design graphique souhaite susciter l’émotion et connecter les marques à de réelles personnes (et pas juste à des consommateurs).

Les meilleures agences de design graphique de Paris

À Paris des agences de design graphique de haut niveau émergent. Au cœur du 11^e arrondissement se trouve l’agence Art Boréal, qui est spécialisée depuis toujours dans le print. Loin d’être dépassée, l’impression de cartes de visites, d’invitations ou d’affiches est un canal prisé pour les entreprises qui cherchent à mettre en œuvre une stratégie de communication efficace.

L’agence Flying Saucers Studio (en français soucoupe volante) surfe sur une communication dynamique et dans l’air du temps. Ses trois designers graphiques signent des projets pour Cristaline, Ted X Valenciennes ou Gazoneo avec bonne humeur et professionnalisme.

L’EFET Studio Créa propose des formations adaptées à l’actualité de la communication visuelle et offre à ses étudiants des cursus complets en design graphique et numérique. Consciente des besoins des professionnels du secteur, l’école propose invariablement à ses étudiants de suivre des stages selon la modalité d’apprentissage en l’alternance et travaille à partir d’une pédagogie axée sur l’acquisition de compétences pratiques.

Pour travailler avec une agence de design graphique, il faut donc avoir suivi une formation permettant d’obtenir des compétences technico-artistiques afin de mener à bien les missions d’un graphiste. Mais cela ne suffit pas, il est crucial d’avoir une vision globale de son travail et des connaissances pratiques du monde de la communication et du marketing au sens actuel (digital, branding, e-reputation, etc.).

La scénographie est une discipline technique qui offre de maîtriser les outils de l’aménagement et de la rationalisation de l’espace. Grâce à ces méthodes, les locaux, les lieux d’exposition, mais aussi l’espace public, sont réaménagés et repensés afin d’en optimiser l’utilisation. En quoi consiste précisément la scénographie et quelle voie suivre pour faire carrière dans le secteur ?

La scénographie, c’est quoi ?

La scénographie, c’est l’application de techniques du design d’espace et de l’architecture d’intérieur en vue de penser, maîtriser et moduler une surface afin qu’elle réponde à des besoins spécifiques. Plus concrètement, c’est l’art d’aménager une scène en vue de lui donner une atmosphère et de réinventer un espace propice pour que le sectateur profite au maximum de son expérience.

Quels sont les secteurs d’application des méthodes de la scénographie ?

La scénographie est très régulièrement utilisée dans le secteur de l’événementiel et du théâtre. Elle permet de proposer des expositions au parcours de découverte pertinent, ludique et dynamique. Il en va de même pour l’organisation de manifestations professionnelles, de festivals, concerts ou défilés de mode. Les méthodes de la scénographie sont très appréciées des artistes, des producteurs, des équipes techniques et du public, car elles permettent de modifier et de moduler l'espace selon les besoins.

La scénographie offre aussi de reprendre intégralement l’utilisation les zones publiques et privées. Ainsi, de nombreux projets de restructuration urbains ont bénéficié des conseils et du travail de véritables scénographes. C’est également le cas dans l’agencement des espaces de vente, ou des rayonnages des boutiques : les concept stores, par exemple, naissent suite aux conseils de scénographes spécialisés. Cette nouvelle manière d’utiliser la scénographie rencontre un franc succès et de multiples opportunités se développent dans cette branche.

Scénographie : s’orienter dans le design et l’architecture d’intérieur

Maîtriser tous les outils et les méthodes de la scénographie requiert de suivre une formation en design et architecture d’intérieur au sein d’un établissement spécialisé. Il est préconisé d’opter pour un cursus double, qui débouche sur un titre reconnu par l’État, ainsi qu’un certificat d’études validé par la communauté des architectes professionnels.

En effet, la scénographie, au même titre que le design et l’architecture, est une discipline par essence pratique. Pour la connaître suffisamment afin de faire carrière dans le secteur, il faut en découvrir les techniques et savoir les mettre en pratique. Utiliser ses connaissances s’effectue à l’occasion de projets professionnels collaboratifs et transdisciplinaires, de workshops spécialisés ou encore de séminaires thématiques. Dans le cadre d’études en scénographie, c’est la modalité de l'apprentissage en alternance qui est plébiscitée par les étudiants comme les professionnels du secteur.

Ce rythme permet en effet aux étudiants d’apprendre à la fois à l'occasion de cours théoriques et de stages en immersion. Ces sessions en entreprise, en cabinet d'architectes, en studio ou encore au sein d’un musée, permettre de véritablement se construire des savoir-faire techniques. À ce titre, le Bachelor et le Mastère de l’EFET Studio Créa en Design et Architecture d’Intérieur, offrent un contenu de très haut niveau académique ainsi que des modalités pratiques nombreuses et variées.

Dans le milieu de la scénographie, il devient crucial de bien maîtriser l’outil numérique afin de proposer des projets sous la forme digitale.

Le responsive design est un regroupement de techniques qui visent à créer un site web ergonomique. Les professionnels du design graphique et numérique sont capables de proposer une gamme de plateformes dont l’ergonomie s’adapte instantanément à l’écran de l’appareil de connexion. Ainsi, l’utilisateur bénéficie d’une expérience optimale, qu’il navigue depuis un smartphone, un ordinateur ou encore une tablette. Quels sont les 7 conseils à suivre afin de réussir l’ergonomie de ses plateformes digitales ?

Développer un site utile pour un bon site web

Il est capital que l’utilisateur qui entre sur un site internet puisse aisément réaliser l’action qui l’a poussé à se connecter. À titre d’exemple, dans le cas d’une plateforme de e-commerce, il est crucial que les icônes de panier et d’achat soient facilement repérables. C’est pour cette raison qu’elles sont généralement placées en haut à droite des pages web, quel que soit l’onglet qu’explore l’internaute.

Prendre en considération les retours utilisateurs

Il est important que le site web prenne en considération les retours des internautes. L’ergonomie de la plateforme doit à ce titre répondre à un véritable besoin du public. Prendre en considération les attentes de son cœur de cible permet de véritablement développer le trafic sur la plateforme et d’accroître la rentabilité du site.

Proposer une plateforme fluide

Grâce aux techniques du responsive design et de l’UX design, il est possible de proposer des sites véritablement efficaces. Sur ce nouveau type d'interfaces, l’internaute peut naviguer intuitivement et de faire peu d’erreurs de choix.

Soigner sa page d’accueil

C’est la première chose que voit l’internaute. Un peu comme le hall d’un immeuble, la page d’accueil doit impérativement répondre à des codes stricts : menu « hamburger » facilement repérable, bouton de retour en haut de page ou encore onglet à propos. Les techniques du responsive design permettent de modéliser ces éléments afin qu’ils restent ergonomiques et cohérents sur tous les supports de connexion

Apporter une attention spécifique au design graphique

La plateforme doit être construite en respectant les principes du responsive design. Son ergonomie est donc mise en cohérence avec les graphismes du site. L’esthétisme d’une plateforme est un excellent moyen de mémorisation pour les clients comme les prospects en ligne.

Privilégier la lisibilité

Optez pour une typographie simple, de la juste taille ainsi que pour des paragraphes à l’agencement lisible. Les équipes de conception doivent bénéficier d’un briefing clair : savoir quels sont les éléments à souligner, comment découper les plans de page, etc. À ce titre, évitez les éléments « gadget » qui ne font que rajouter des stimulus visuels sur une page, et qui empêchent la bonne compréhension du site web.

Travailler avec de véritables experts

Il est important de travailler avec une équipe composée d’experts du design graphique et numérique, qui comprennent parfaitement les contraintes et les leviers du web d’aujourd’hui.

L’EFET Studio Créa propose des formations qui visent à l’exercice concret d’un métier du milieu du design graphique et numérique. Ses parcours bénéficient de la modalité de l'alternance et de l’intervention d’enseignants issus du monde professionnel. Ces experts sont en mesure de proposer des apprentissages concrets, qui prennent en considération les derniers codes du responsive design. Les étudiants sortants sont ainsi immédiatement capables de développer des sites qui respectent les exigences de l’ergonomie contemporaine.

L’ergonomie d’un site web est cruciale afin d’obtenir une plateforme qui plaît aux internautes. C’est pour cette raison qu’il faut impérativement se former aux techniques du responsive design.

Les arts appliqués font partie des activités de professionnels du design. Contrairement aux arts plastiques, les arts appliqués s’inscrivent dans une réflexion mettant en lien l’Homme et son environnement. En quoi consistent-ils précisément et comment s’y former pour faire carrière dans le domaine ?

Les arts appliqués, c’est quoi ?

L’utilisation des techniques des arts appliqués vise à améliorer le confort de l’être humain grâce à des instruments, des outils ou à une modélisation spécifique de son espace de vie.
Les arts appliqués sont souvent opposés aux arts plastiques, qui visent à produire une œuvre unique en peinture, sculpture ou architecture. Les arts appliqués, eux, se caractérisent par la production en série. C’est d’ailleurs un élément prépondérant pour de nombreux designers, qui recherchent les formes et les matériaux les mieux adaptés afin de faciliter la fabrication de leurs œuvres.

Les arts appliqués sont ainsi étroitement liés aux débuts de l’industrialisation, puisqu’ils dépendent de moyens de production modernes et importants pour voir le jour. La notion de grande série industrielle est donc très présente dans l’esprit des designers, qui peuvent officier au sein de divers domaines :
– Le design d’espace ; l’architecture d’intérieur.
– Le design textile : les vêtements, la haute couture, les costumes de cinéma, etc.
– Le design de produit : mobiliers, objets de décoration.
– Le design de communication : graphisme, publicité et multimédia.
– Les métiers d’art : le vitrail, la bijouterie, la céramique ou la poterie.

Comment se former aux arts appliqués ?

Pour faire carrière dans les arts appliqués, il est essentiel de suivre une formation technique et spécialisée de niveau universitaire. Un cursus doit se dérouler sur trois à cinq ans et comporter des enseignements théoriques et pratiques.
La théorie doit permettre à l’étudiant de tout savoir de l’histoire de l’art, l’histoire du design, de la mode et de tous les domaines des arts appliqués. Cette culture générale se construit au fil du temps et des travaux pratiques auxquels participent les étudiants tout au long de l’année. Un bon cursus en arts appliqués doit aussi comporter un enseignement axé sur l’acquisition de compétences techniques et pratiques, en favorisant l’apprentissage par l’expérience et l’alternance. L’étude et la maîtrise des outils du numérique est une véritable nécessité : les arts appliqués ont recours à l’informatique.

Il est important de bien choisir son secteur et d’entamer un parcours post-bac bien orienté. Afin d’y parvenir, les étudiants doivent opter pour un établissement spécialisé qui divulgue un enseignement axé sur l'acquisition de compétences pratiques. À titre d’exemple, l’EFET Studio Créa propose un parcours « Design Project Program » permettant aux bacheliers de découvrir tous les domaines des arts appliqués pendant une année scolaire. À l’issue de cette session, les étudiants peuvent intégrer un cursus classique dans le domaine de leur choix immédiatement en deuxième année. Ils sont alors assurés de prendre la voie des arts appliqués qui leur convient le mieux, sans perdre de temps dans leur parcours universitaire.

Les arts appliqués regroupent une multitude de domaines du design. Tous se caractérisent par leur dynamisme et sont en plein essor.

Si le design graphique connaît un essor colossal ces dernières années, la discipline n’est pas née hier. Zoom sur l’évolution du graphisme au fil des âges.

Évolution du graphisme : tout commence avec Gutenberg

Le graphisme est véritablement né en 1440, avec l’invention de l'imprimerie. S’il est possible de dater la naissance du graphisme dès l’ère pariétale, l’imprimerie offre pour la première fois la possibilité de reproduire de manière industrielle les visuels.

Avec cette invention, il devient envisageable de reproduire à très grande échelle non seulement les textes, mais aussi les images et les gravures. C’est d’ailleurs aux alentours des années 1400 que naissent les premiers logos (généralement très simples et géométriques, ils représentaient principalement les blasons des maisons). Le roi Richard II a lui aussi contribué à l’essor du graphisme, en contraignant les brasseries à signaler leur présence au moyen d’un anneau sur la rue. Ainsi, c’est dès le XVIIe siècle qu’émerge l'utilisation des images publicitaires, qui entretiendront un lien étroit avec l’art du graphisme.

Essor de la publicité et évolution du graphisme

La première agence de design graphique naît en 1903 (la Wiener Werkstätte) en Autriche. Puis l’évolution du graphisme suit les innovations du monde de la publicité après la Seconde Guerre mondiale.

De nombreux chercheurs en design graphique contribuent à l’évolution de la discipline, avec l’influence du Bauhaus ou les publications d’experts en communication et en publicité. C’est le cas de Paul Rend, qui publie en 1947 Thoughts on Design, ouvrage dans lequel il présente un lien fort entre la fonction et l'esthétisme des productions visuelles.

Les années 90 : le graphisme connaît une évolution fulgurante

Les années 90 et le développement des logiciels de création numérique donnent au graphisme sa forme d’aujourd’hui. C’est en effet à cette époque qu’émergent les supports comme Photoshop ou Illustrator, encore très utilisés de nos jours.

Les multinationales s’emparent du potentiel de la discipline et l’utilisent pour créer des logos impactant, dynamiques et facilement reconnaissables. C’est l’époque des premiers visuels d’Appel, Microsoft, McDonald’s ou encore Starbucks. Encore très complexes, ces supports servaient à transmettre les valeurs principales de la marque et les services qu’elle offrait. Désormais, ces grandes enseignes ont construit leur image de marque et peuvent s’appuyer sur une grande notoriété afin de développer un graphisme plus simple et épuré. Au premier coup d’œil, les consommateurs savent de quelle marque il s’agit, quels sont ses produits et les valeurs qu’elle représente.

Comprendre les transformations du graphisme, son impact sur les sociétés ainsi que ses sources d'évolution est capital afin de travailler dans le secteur. L'histoire de la discipline est une source d’inspiration au même titre qu’un support critique pour les professionnels.

Les étudiants de l’EFET Studio Créa bénéficient à ce titre d’un enseignement de haut niveau technique et académique. Grâce à cette pédagogie premium, ils se constituent une connaissance fine de l'histoire et de l'évolution du graphisme, éléments qu’ils utilisent dans leur pratique professionnelle au quotidien.

L’évolution du graphisme est sans fin, la discipline suit le développement des nouvelles technologies et se nourrit des fonctionnalités proposées par les logiciels professionnels.