Verner Panton, c’est le designer qui fait basculer le design dans une dimension industrielle en ayant recours à la fabrication en série, rendue possible par l’apparition de matériaux nouveaux. Retour sur ses travaux et ses propositions à l’avant-garde de son temps.

 © Creative commons – Libre de droit, création de Verner Panton

Qui est Verner Panton ?

Verner Panton (1926-1998), est un designer danois connu pour son style innovant et avant-gardiste. Panton suit une formation d’ingénieur architecte et étudie à l’Académie des beaux-arts de Copenhague, puis il fonde rapidement (en 1955) son propre studio de création.

Difficile à cerner, on situe parfois Verner Panton entre les courants modernistes-organiques, pop-alternatifs et psychédéliques. C’est qu’à ses débuts, Panton signe des modèles très pop, comme sa Heart Cone Chair de 1959. Il est aussi l’auteur de la Flowerpot en 1968, suspension unique en son genre qui le pousse à s’intéresser à la lumière artificielle, ses effets et les moyens de la maîtriser. Pour Verner Panton, les lampes jouent un rôle central dans l’aménagement d'intérieur. Bien plus que simples sources lumineuses, elles sont vues comme des objets poétiques qui contribuent à l’ambiance de l’espace.

Très dans l’air du temps, Panton délaisse un instant le design et travaille à des propositions d’habitat du futur. Ses projets Visiona et Visiona 2 (1968 et 1970) sont une véritable invitation au voyage fantastique et spatial (le premier homme a posé le pied sur la lune en 1969). L’intérieur ainsi conçu se veut libre d’utilisation, coloré, rembourré et sans normes.

Verner Panton : pourquoi l’avant-garde ?

Panton est parmi les premiers designers à s’emparer des évolutions technologiques des années 50 pour les utiliser dans l’élaboration de ses objets du quotidien. Avec la technique du thermo-moulé et l’utilisation du polyester et de la fibre de verre, il crée la fameuse Chaise Panton, à l’assise courbe, au dossier estompé et dont les pieds ont disparu.

Véritable vague colorée en un seul moule, c’est à la fois une prouesse technique et une révolution du concept même de la chaise. Dès 1967, c’est le premier modèle d’assise qui est fabriqué par le procédé de moulage à injection de mousse de polyuréthane. Cette technique permet d’instaurer une production en série, ce qui ouvre la porte du design industriel tel qu’on le connaît aujourd’hui : une forte capacité de production propre à fournir au maximum d’individus des objets visant à améliorer leur confort au quotidien.

Ce qui caractérise le style avant-gardiste de Panton, c’est qu’il propose des formes très à l’opposé du confort typiquement danois en place dans les années 50. Couleurs, fantaisies, expérimentation des formes et des matières : Verner Panton s’essaye à tout avec succès. Il parvient même à s’approprier de nouvelles méthodes de production, jusqu’ici réservées à d’autres secteurs de l’industrie.

Comme Verner Panton, il faut se former pour devenir designer. L’idéal est de suivre une formation spécialisée dans un établissement reconnu et qui propose des cursus en alternance. Par exemple, l’EFET Studio Créa offre des parcours universitaires d’exception assortis de nombreux stages pratiques en immersion.

Avec Panton, c’est la première fois que le design s’industrialise et utilise des procédés de fabrication révolutionnaires et les nouveaux matériaux issus des dernières découvertes en chimie.

Lorsque l’on désire devenir designer d'intérieur, il est important de se préparer à suivre une formation sur le long-terme en cinq ans minimum. Quelles études choisir pour s’assurer d’un emploi à l’obtention de son diplôme ?

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Devenir designer d’intérieur : s’orienter rapidement

Pour réussir à faire carrière comme designer d’intérieur, il est important de commencer un parcours universitaire spécialisé dès l’obtention de son baccalauréat. En effet, le design d’intérieur est une discipline artistique et technique qui requiert plusieurs années de manipulation et de découverte afin d’être pleinement maîtrisée.

Pour devenir designer d’intérieur, il faut en effet savoir utiliser les techniques traditionnelles de l’architecture d’intérieur dont le dessin technique au même titre que le DAO. L’infographie, la photographie, le design de perspective et même l’architecture digitale sont des modules qui doivent être abordés régulièrement et de manière approfondie. Le design d’intérieur correspond en effet à une mutation de l’architecture d’intérieur, qui inclue les nouvelles technologies et la réalité virtuelle et qui s’applique dans l’espace urbain, digital ou intérieur.

C’est pour ces raisons que les étudiants désireux de devenir designers d’intérieur optent pour des cursus spécialisés en cinq ans. Ces parcours d'études s’initient par un cycle de trois ans : le Bachelor spécialisé en design et architecture d'intérieur. Proposé au sein d’une école spécialisée, ce premier diplôme offre de se constituer une solide base de connaissances fondamentales en la matière, surtout qu’il se déroule selon la modalité de l'apprentissage en alternance.

Culture architecturale, maîtrise du digital, anglais, histoire de l’art, programmation et même motion design, il est impératif que le programme du Bachelor soit très complet afin de véritablement permettre de devenir designer d'intérieur.

Zoom sur les mastères spécialisés pour devenir designer d'intérieur

Naturellement, un Bachelor ne permet pas d’exercer comme designer d'intérieur, le métier n’est accessible qu’après un parcours d’études complet en cinq ans. C’est à l’issue d’un mastère spécialisé qu’il est possible de trouver un emploi, à condition que le titre délivré soit reconnu par l’État et qu’il s’accompagne d’une reconnaissance de formation de la part du CFAI (Conseil Français des Architectes d’Intérieur).

Le mastère spécialisé consiste en un cycle de deux ans qui comprend des apprentissages approfondis des disciplines du design (graphique et numérique) et de l’architecture d’intérieur. Il s’agit d’un diplôme à visée pratique, qui vise à l’apprentissage concret d’un métier et en ce sens doit proposer de multiples modalités d’entraînement (rythme en alternance, workshops, projets professionnels, etc).

Ce qui est important pour devenir designer d'intérieur, c’est que le cycle de mastère spécialisé permettre d’explorer en profondeur la technique de la conception de projets et qu’il offre de maîtriser les outils pour travailler comme indépendant. Ainsi, il est préconisé de privilégier une formation qui comprend des modules d'apprentissages comme la conception de projet, des ateliers de maquette, maîtrise des logiciels professionnels (comme Sketchup), des notions de gestion d’entreprise et de réglementation, etc.

Sachez que l’essor du digital a fortement impacté la filière du design et de l’architecture d’intérieur. Il existe aujourd'hui (uniquement au sein des meilleures écoles spécialisées) des mastères en Digital Architecture. Ces formations permettent de devenir designer d’intérieur spécialisé dans le numérique et d’évoluer dans la sphère virtuelle : métavers, intervention sur des jeux vidéo, manipulation de la réalité virtuelle, etc.

L’EFET Studio Créa propose un Bachelor en Design et Architecture d’Intérieur qui peut être complété par un mastère spécialisé en Architecture Digital ou un Mastère Design et Architecture d’Intérieur. Toutes ses formations bénéficient de l’apprentissage en alternance et permettent de véritablement devenir designer d'intérieur à l’issue de son diplôme.

Désormais, le designer d'intérieur se doit de savoir travailler dans toutes les filières de l'industrie au même titre que dans les environnements virtuels.

L’innovation change le monde en lui apportant des nouvelles technologies et en modifiant les comportements humains. Le Design, dans ce contexte apparaît comme un outil de l’innovation et une composante des évolutions qu’elle induit. C’est aussi un excellent moyen de déterminer où se situent les prochaines potentialités d’innovations qui vont acquérir l’intérêt du public. Alors, comment définir ce rapport double entre design et innovation ?

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Pourquoi le design et l’innovation ont-ils un rapport proche ?

Le Design, longtemps perçu comme une discipline des arts appliqués qui ne concernait que l’esthétisme des objets, s’intéresse de près à la technique et la fonctionnalité des articles qu’il crée. Il cherche à apporter du sens dans l’utilisation des objets, et à contribuer à accompagner la transformation du monde.

Le Design imagine donc les nouvelles façons de vivre en simplifiant la vie de l’Homme grâce à l’utilisation de la technologie. Afin de constamment élaborer des propositions dans l’air du temps, le Design va même jusqu’à dépasser l’état des technologies contemporaines pour les améliorer et les développer, contribuant de ce fait à l’innovation.

Dans son processus d’élaboration, le Design contemporain laisse une très grande place à l’innovation collaborative, là où sa forme traditionnelle déléguait cette réflexion qu’aux ingénieurs. Dans un processus d'amélioration continue, il fait intervenir au sein d’un même projet un grand nombre des métiers acteurs de l’innovation?: ingénieurs, architectes, designers, graphic designers, managers, etc.

Les très grandes mutations technologiques rendent en effet les processus créatifs très complexes, il n’est plus possible que les compétences requises pour créer des objets soient détenues par une seule et même personne. Le rapport entre le Design et l’innovation se fait donc pluridisciplinaire. Les entreprises s’appuient sur des équipes diversifiées, en cherchant à favoriser des processus participatifs propres à la méthodologie du Design.

Le Design : une méthode porteuse d’innovation

Le Design est une méthode de résolution de problème unique. Elle consiste à partir des attentes des utilisateurs finaux pour déterminer la fonction et l’esthétisme d’un produit. En adoptant une approche centrée sur les désirs du public, le Design s’assure de créer des articles véritablement en phase avec les attentes de sa clientèle. Ce faisant, il garantit le succès de ses nouveautés et débusque les nouveaux secteurs propices à l’innovation.

Dans son approche même, le design entretient donc un rapport de promiscuité avec l’innovation. En effet, pour adopter la méthode propre au Design, les professionnels débutent leurs travaux en étudiant attentivement leur secteur et leurs consommateurs. Ils définissent des personnaes, des grandes catégories de profils où sont regroupés les individus en fonction de leurs goûts, leur âge, leurs attentes techniques, etc. Cette étape n’est possible que grâce à une enquête technique de fond, qui conduit les designers à véritablement prendre conscience des leviers de développement et des potentialités de croissance de leur secteur d’activité.

En faisant intervenir des corps de métier pluridisciplinaires sur un même projet, le Design favorise considérablement l’intelligence collective. Il contraint presque les grandes multinationales à adopter un point de vue intégratif et parfois contradictoire. Cette ouverture d’esprit colossale (et auparavant impensable) aboutit à trouver des leviers d’innovation jusqu’ici inexplorés.

Cette incroyable richesse du Design n’est possible que grâce au regroupement de professionnels aux profils variés. Tous ont cependant suivi une formation technique et professionnalisante de haut niveau en design d’objet, design industriel ou encore design graphique. L’EFET Studio Créa offre des cursus premium qui offrent à ses étudiants de véritablement s'imprégner du concept du Design. Les élèves participent à des projets professionnels et bénéficient de stages en alternance qui leur permettent de contribuer à l’innovation contemporaine.

Le design est un puissant outil de conception, qui fait intervenir toute la communauté dans le processus créatif : de l’utilisateur final au commanditaire, en passant par les créatifs et les ingénieurs.

Il n’existe pas une liste exhaustive des différentes applications du Design. En effet, la discipline regroupe tous les arts appliqués dont le but est d’allier esthétisme et fonctionnalité afin de résoudre des problèmes du quotidien. En revanche, il est envisageable de dresser un portrait généraliste des diverses formes de design.

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Design : les principales formes

Le design peut s’appliquer à tous les domaines. Cependant, certaines formes de la discipline sont prépondérantes, car elles englobent un très grand nombre d’applications.

• Le design de produit est la discipline qui améliore la fonctionnalité, le service ou le coût d’un article. Il facilite les déclinaisons de gamme et donne une véritable identité visuelle au produit en tenant compte des contraintes de fabrications dictées par le commanditaire. C’est une forme du design qui intègre des connaissances et des techniques en marketing et en commerce.
• Le design de packaging est la forme appliquée exclusivement au conditionnement des produits (à usage professionnel comme de consommation courante). Le designer travaille sur la forme de l’emballage, qu’il met en cohérence avec l’article, mais aussi les valeurs de la marque et les objectifs marketing qui lui ont été transmis.
• Le design d’espace et d’environnement à trait à la conception des lieux et des espaces. Il fait appel à de solides connaissances en urbanisme, architecture et scénographie. En agençant de manière fonctionnelle et optimale un espace, les designers sont en mesure d’augmenter les ventes d’un produit ou de rendre plus attrayant et accessible un lieu public.

Quelles sont les nouvelles formes de design ?

L’évolution des nouvelles technologies et les recours plus nombreux aux experts du Design sous toutes ses formes ont permis l’émergence de nouvelles disciplines.

Le design graphique est une branche qui ne cesse de se renouveler, grâce à l’évolution des logiciels informatiques de création. Il vise à créer une identité visuelle pour une entreprise ou une marque. Le designer produira les supports d’une charte graphique complète : aisément reconnaissable et porteuse des principes fondateurs de l’entreprise.

L’UX Design est une forme du design digital qui consiste à prendre en considération les retours des consommateurs quant à leur expérience d’utilisation d’une application numérique. En fonction de ce feedback, les UX Designers reprennent les éléments visuels et fonctionnels des interfaces sur lesquelles ils travaillent. Souvent lié au design de service, au design ergonomique ou au design sonore, il s’agit d’une discipline dont les enjeux sont cruciaux pour les entreprises qui souhaitent développer leurs activités.

L’EFET Studio Créa propose des cursus qui forment à l'exercice d’un métier dans le secteur du design sous toutes ses formes. Les étudiants bénéficient d’une pédagogie axée sur l’acquisition de compétences pratiques et suivent leur formation selon la modalité de l’alternance. Ils sont amenés à découvrir les diverses formes du design afin d’être libres de se spécialiser au cours de leur vie universitaire et professionnelle.

Grâce aux progrès exponentiels des nouvelles technologies, une nouvelle forme se dessine : le design sensoriel. Afin de pouvoir travailler au sein de ce secteur émergent, il est crucial de faire preuve d’une solide base dans diverses disciplines du Design en général.

Le rough est une esquisse ou un croquis sommaire visant à présenter un projet publicitaire. Dans l’univers du design, des arts graphiques et de la communication visuelle, c’est un outil de conception très utilisé et qui répond à des codes spécifiques.

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Design, communication et publicité : le concept du rough

Le rough est un croquis d’intention permettant de visualiser rapidement un concept grâce à une illustration rapide, mais suffisamment explicite. Il s’agit d’une esquisse qui constitue un véritable avant-projet à une campagne publicitaire, une affiche ou encore à un réel objet industriel (dans ce cas de figure, le rough peut même prendre la forme d’une maquette).

Si le rough ne doit pas être très détaillé, les designers qui l'utilisent comme outil de réflexion le colorent néanmoins. C’est qu’en publicité et en arts graphiques, la couleur a une importance considérable. Il est donc tout à fait naturel qu’une esquisse de projet présente ses futures teintes afin de véritablement incarner l’idée de son concepteur.

Le rough est utilisé quotidiennement par les professionnels du design, quelle que soit leur spécialité (d’espace, d’objet, graphique, etc). En effet, c’est un support qui s’adapte parfaitement aux dynamiques de la conception en design. Par exemple, avec la méthode du Design Studio, les membres d’une équipe de conception peuvent tous fournir leur rough (élaboré en quelques minutes) pour présenter leur pensée à leurs collaborateurs.

Une fois le projet validé, les designers vont se baser sur le rough pour commencer à travailler sur les logiciels professionnels de conception numérique, comme Photoshop.

Comment maîtriser la technique du rough design ?

La méthode du rough design est, nous l’avons vu, fondamentale dans le milieu du design professionnel. À ce titre, y ont recours les artistes, les illustrateurs de BD, les architectes et même les muséographes.

Pour maîtriser le rough design, il faut donc savoir dessiner, ou plutôt esquisser ses propres idées. Puisqu’il s’agit d’une technique du design professionnel, il est aussi nécessaire d’être capable de traduire en une illustration claire un projet technique. Pour y parvenir, le designer doit respecter les contraintes figurant au cahier des charges ainsi que les mécanismes de fonctionnement de l’objet à créer. Avec le rough design, l’objectif est de proposer un croquis qui sera à la fois réalisable matériellement et transposable sur les logiciels de conception graphique.

C’est pour ces raisons que le rough design est enseigné au titre des formations supérieures en design, arts graphiques, création numérique, communication ou encore architecture d'intérieur. À titre d’exemple, l’EFET STUDIO CRÉA propose des formations complètes en alternance qui permettent à la fois de découvrir la technique du rough design, mais également de l’utiliser à l’occasion de projets pratiques et de stages en alternance.

Plus qu’une projection dans le projet final, le rough offre un espace et un support de discussion pour les différents intervenants d’un projet. Il peut même résoudre des problèmes de technique et de conception, comme une mauvaise mise en page ou un mécanisme qui ne fonctionne pas.

Du 27 au 31 mars dernier, les étudiants de Mastère 2 de la filière Design Graphique & Numérique ont participé à un Workshop sur l’identité de marque et le co-branding. Encadrés par deux intervenants, Thierry Garat et Nguyen Gia Hung TRAN, ils ont travaillé en groupe le temps d’une semaine afin de créer. Retour sur cette semaine intensive.

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Le sujet

L’agence de communication et design 360° DDB décide de missionner ses D.A graphiste sur des appels d’offres en création globale : naming, wording, stratégie de communication visuelle print, UX / UI et audiovisuel online et offline dans le cadre d’une série d’appels d’offres à la rentrée 2023.

A l’ère du 3.0 et de la nouvelle génération digitale, l’objectif est d’incorporer d’avantage les profils les plus proches des supports finaux afin d’éviter la déconnexion stratégique et de faire la part belle à la polyvalence. Parmi ses nombreuses missions, DDB pense le design intégral de campagnes en brand content, sur des univers très variés, depuis le premier brainstorming jusqu’au livrable.

Pour ce Workshop, les étudiants devaient choisir parmi 3 sujets :

1. Nouveau service digital de commandes pour ingrédients de cuisine à domicile, KICOOK (marque fictive) existe sur le marché en version béta, mais doit se doter d’une identité de marque et d’une bonne stratégie de communication. Sa spécificité : livrer à domicile des ingrédients frais pour cuisiner soi-même sans se charger avec les courses traditionnelles (transports, queue…)
2. Le média BLAST, LE SOUFFLE DE L’INFO a créé récemment un podcast, INFERNET. Sur un ton décalé et ludique, l’objectif de ce nouveau contenu est d’aborder les problématiques liées aux addictions et phénomènes socios-culturels liés à l’usage des réseaux sociaux à l’ère du digital 3.0 sur des contenus vidéos présentés par Pacome Thiellement.
3. YAYOI KUSAMA est une artiste japonaise renommée ; performeuse, peintre, sculptrice, écrivaine, elle s’interroge sur la place du « moi » par l’usage quasi abusif de formes récurrentes dans ses compositions et vidéos ; petits pois de couleurs variés, matrices de formes évoquant la naissance. En collaboration avec le groupe LVMH / LOUIS VUITTON, elle décide de lancer un parfum de niche : ETERNITY, mentionnant son nom et apportant une touche olfactive à son univers. Elle présentera son parfum lors d’une exposition – retrospective interactive à la fondation LOUIS VUITTON à l’été 2023, et souhaite communiquer sur l’univers d’ETERNITY sur les réseaux et lors de l’évenement.

Pour répondre à leur sujet, les étudiants devaient réaliser une veille créative, une analyse de marque, puis monter un dossier d’intervention en signature de marque et branding design qui fera suite à ce speed-dating client par la présentation d’une signature et d’un visuel animé à destination des réseaux sociaux et affichage dynamique dans l’espace public (métro, rue, transports). L’idée est de privilégier une création graphique personnelle à 100%, du dessin typographique libre pour le logo et brandmark, à la réflexion des couleurs et matières, afin d’inscrire ces propositions dans la culture urbaine alternative et de trancher avec l’image lisse et trop photographique des campagnes habituelles.

Les rendus du Workshop

Après une première réflexion de stratégie globale individuelle sur un choix de marque parmi les 3 proposées, les étudiants devaient se mettre en binôme pour former une team créative et proposer une campagne complète sur 4 étapes :

• Veille créative et Moodboard
• Signature de marque : élaboration d’un logo charté, de son brandmark et de ses déclinaisons utilisables sur tous médias
• Key visuals : conception de 6 keys visuals minimums pour positionner la campagne sur l’affichage urbain (print et dynamique) et les réseaux sociaux
• Design audiovisuel / boucle animée : conception d’un visuel animé au format 1080 x 1920p pour les réseaux sociaux et un affichage dynamique urbain – durée : 10-30 sc au format mp4

Pour le livrable, les étudiants devaient réaliser un PDF, hiérarchisé, organisé et annoté contenant :

• Un court texte d’intention créative, rappelant le contexte : concurrents, sociologie concernée et ses particularités avec quelles tendances visuelles alternatives l’agence représentera visuellement la marque / le média / l’évènement dans la future proposition et pourquoi.
• Un moodboard / planche tendances représentant les tendances visuelles, couleurs, formes selon leurs analyses (intentions graphiques). Ils pouvaient également y mettre en scène certains éléments de leurs recherches de signature et keys visuals.
• Les recherches créatives logo, brandmark et keys visuals : esquisses, expérimentations plastiques et numériques, dessin typographique pour la signature, brandmark, travail de rough pour les key visuels, éléments d’accompagnement pour les keys visuals et l’animation.
• Leur signature définitive : logo final, exposition des formes dessinées mises en avant, lettrage, couleurs RVB et CMJN, déclinaisons couleurs / noir et blanc, choix de polices d’accompagnement (texte des futurs supports)
• Les 6 key visuals mettant en scène leur signature et / ou brandmark destinés à des supports différents (print et digital).

Et bien entendu, ils devaient rendre une boucle vidéo d’animation simple pour le lancement et accompagnement sur les réseaux sociaux de la marque ou du produit, selon le sujet choisi.

Le lettrage de la signature ainsi que le logo final et les éléments des key visuals et de l’animation devaient être entièrement de la composition des étudiants. Ils ne devaient importer aucun élément pour le logo.

Quelques exemples de projets réalisés

 ©Gauthier Lecavelier & Kristen Xia

©Charlène Porta & Alexia Gaud

©Pauline Fle & Damien Jalloul

L'EFET STUDIO CRÉA a à coeur de former ses étudiants en les faisant travailler sur des projets, des cas concrets, pour leur donner un aperçu de ce qui les attend après leurs études.